Pablo Erroz habla en el Ciclo Confluencias sobre el universo de marca multidisciplinar

El Patio de la Infanta -Fundación Ibercaja- acogió el pasado miércoles 19 de abril la tercera sesión del Ciclo Confluencias, organizado por el Centro Superior de Diseño Hacer Creativo. Nuestro invitado fue el diseñador Pablo Erroz, cuya conferencia apostó por la sostenibilidad, la prenda duradera en el tiempo y, sobre todo, un universo de marca multidisciplinario. A este fin, se trazó un breve recorrido a través de los productos más recientes y reputados de su marca, 11 años en crecimiento, mostrando sus intereses y preocupaciones.

El punto de partida es un momento en el que, habiendo alcanzado cierta estabilidad en el negocio, comienza a perderse momentáneamente la ilusión creativa inicial. Es en el proceso de recuperar esta emoción que se extiende el campo del diseño más allá de la moda, al producto, mobiliario, e incluso iluminación y decoración interior, creando así lo que el diseñador denomina un universo de marca multidisciplinar. En este todos los diseños interactúan entre sí, mostrando referencias y relaciones entre objetos tan aparentemente dispares como, por ejemplo, una botella de vino y una lámpara, e integrando en la pasarela las alfombras, y en el escenario los sillones, durante los desfiles de moda. Esta producción genera así un conjunto de diseños más allá de la prenda fiel a la identidad de marca, empleando sus motivos en este caso geométricos y reconocibles independientemente al soporte que los porte.

Por otra parte, para mantener nuestra herencia cultural y las prácticas tradicionales, casi en peligro de abandono, Pablo Erroz trae de vuelta en moda los procesos artesanales. Es así como surge la famosa falda llevada por la Reina Letizia, fabricada con el taller mallorquín Artesanía Textil Bujosa en el tejido y técnica tradicional Ikat, cuya popularidad ha llevado el diseño a ser trasladado a varias otras piezas.

Asimismo, se da la traducción de cada artículo de indumentaria a un universo digital en el que puede encontrarse, a través de un código QR, toda la información pertinente al mismo en cuanto a su diseño y confección, asegurando procesos justos y sostenibles, además de, en algunos casos, la misma prenda disponible en venta en formato digital. La conferencia del diseñador abrió, sin lugar a dudas, innumerables posibilidades nuevas al mundo del diseño y la moda, demostrando además a través de su propia experiencia el éxito que pueden llegar a alcanzar. Como él mismo hizo notar durante la ronda final de preguntas, es todavía uno de los únicos en España en adoptar esta novedosa metodología.

Pablo Erroz en el ciclo confluencias de Hacer Creativo

¿Qué crees que necesita hoy en día el mundo del diseño? ¿Qué puede aportar nuestra generación?

Yo creo que hoy en día la generación lo que tiene, más que en el mundo del diseño, es aportar lo que ya se ha aportado antes: soluciones. Soluciones a los problemas reales, es decir, creo que el mundo del diseño y el mundo de la moda, en concreto, deben de hablar de los problemas reales, de los problemas actuales, de soluciones… yo siempre digo que hoy en día en moda y en diseño hay que hablar de todo, menos de moda. Hay que hablar de la situación social, de una parte cultural, de lo que está pasando, eso es lo que tiene que influir a la hora de diseñar, en lo que se está haciendo. Creo que los diseñadores y las marcas tienen que tener muy claro, muy definido cuál es su propósito, de qué están haciendo y por qué lo están haciendo. Creo que solo así, de manera muy resumida, es cómo realmente los diseñadores pueden aportar valor. Solo así van a poder aportarlo, que es fundamental, que sepan cómo hacerlo. Solo aportando valor, se podrá aportar diferenciación.
¿Qué diferencia un buen branding, pulido y bien resuelto, de uno mediocre o incompleto?

Tener una identidad propia, tener una identidad propia, eso es lo que hace que los pilares del branding sean fuertes y tengan una identidad, que para eso hay que tener también un propósito definido, y es algo que se consigue con el tiempo, a base de conocerse, a base de preguntarse, no es marca si no pasa por el corazón, tendremos que pasar por el corazón, tendremos que tener un branding de verdad y no un branding de postureo, saber cuáles son nuestros valores, el propósito, y eso conseguirá que tengamos una identidad propia que nos permita diferenciarnos de los demás, sabiendo qué aportamos que no tienen los demás y qué es lo que nos hace únicos, creo que solamente así realmente se diferencIará una marca auténtica de una marca pasajera.

Pablo Erroz durante su intervención en el ciclo confluencias de Hacer Creativo

Pregunta: ¿Cuáles crees que son las mayores dificultades para un diseñador joven, específicamente en España?

Pablo Erroz: Bueno, yo, en eso, soy bastante tolerante en el sentido de que creo que en España sí se nos dan muchas oportunidades. Tenemos grandes pasarelas, como 080, como Mercedes-Benz Fashion Week, en Madrid, que además reciben fondos públicos, se están haciendo cada vez más certámenes nacionales con un aire internacional, que es verdad que unos años ha estado parado pero ahora vuelve a activarse, ahora mismo en La Palma se ha hecho La Palma Fashion Week, hace dos semanas se hizo en Mallorca un festival de diseñadores Design day, en Murcia se está haciendo una pasarela también, es decir, están empezando a haber cosas de nuevo, además de las pasarelas.

Creo que hay que ver esa parte positiva que tenemos aquí en España y de apoyo, también, institucional. A nivel político también cada vez hay más conciencia y a mí me gusta ver las cosas positivas que tenemos y no las negativas. París tendrá unas cosas buenas, y unas cosas malas, Londres lo mismo, pero España sí tiene todo eso, y tiene un long haul, y tiene un expertise. Yo cuando la gente dice que no tenemos cultura de moda, relativamente, al final también somos un país que ha creado una industria como Zara, que tiene muchísimo mérito, y que es mundialmente conocida.

Lue las oportunidades siempre están para el que las sepa ver, lo que pasa que vivimos en un mundo global, competitivo, y solo hay sitio para los mejores, que los mejores no lo son porque nacen con un don, eso es importante decirlo, los mejores son aquellos que lo intentan, se caen, lo vuelven a intentar, lo vuelven a intentar, lo vuelven a intentar, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, trabajan, y siguen trabajando. Esos son los mejores, y esos son los que llegan. No hay más que decir.

Pablo Erroz en la charla del ciclo confluencias de Hacer Creativo

Pablo Erroz en la charla del ciclo confluencias de Hacer Creativo

Pregunta: ¿Cómo empezáis el proceso de investigación y diseño, recicláis de colecciones anteriores?

Pablo Erroz: Bueno, en el caso de Pablo Erroz, 11 años después, ya tenemos, considero, unos pilares sólidos en cuanto a identidad, tenemos muy claro cuál es nuestro ADN, qué es lo que hacemos, nuestros materiales predilectos, nuestro tipo de silueta, incluso hasta patrones, incluso pues un poco lo que más se vende y lo que más nos gusta. Entonces es verdad que, a día de hoy, yo creo que desde siempre pero ahora quizá hasta más presente, la manera de diseñar o el proceso creativo se marca casi a un 50, 50. Un 50% de lo que está pasando alrededor, de lo que vivimos, de lo que queremos contar, de cuál es la historia, pero no somos una marca tan nostálgica que con un tema nos inspiramos, sino que nos inspira lo que está pasando alrededor, cómo podemos aportar soluciones a problemas reales. Nuestro propósito de empresa va muy interesado por eso. Y luego está otra parte, pues bueno, de aquellos materiales que durante el año vamos encontrando, de aquellos diseños… Nuestra colección es una colección constante, evolutiva, un poquito de todo lo que vas viendo, las experiencias, los estados de ánimo también lo van conformando: es un 50, 50.

Laura Urrios, como vivir un Erasmus+ en Brescia

Laura Urrios, alumna de cuarto curso de Diseño de Moda en el Centro Superior de Diseño HAC_R Creativo ha participado del programa Erasmus +. La alumna tuvo la oportunidad de disfrutar de esta experiencia y poder aprender nuevas técnicas y vivencias. De regreso a sus clases en Zaragoza nos cuenta su experiencia.

Vida de un Erasmus + en Brescia

 

¿Por qué te planteaste apuntarte al programa Erasmus+?

Me apunté al programa Erasmus+ porque conocer un nuevo país, una lengua diferente y mucha gente distinta me parecía una de las mejores experiencias que se pueden vivir. Conocerte mejor a ti mismo y aprender a vivir lejos de la gente cercana me parecía un reto muy importante para el futuro. Además, poder viajar y conocer Europa eran algunas de las principales motivaciones. Por último, a nivel académico, también era una oportunidad muy buena ya que existen diferentes metodologías y formas de trabajar, confeccionar y diseñar en los distintos países.

¿Cómo fue la experiencia?

En mi caso viví la experiencia en Brescia, Italia, y fue inolvidable. Italia es un país increíble, tan parecido a España en algunas cosas y tan distinto en otras. Conocer algunas de las ciudades más bonitas del mundo y asombrarme en cada uno de los viajes que hacía alrededor del país me hizo darme cuenta de la suerte que tenía por poder vivir esta experiencia.

Cuando llegas te das cuenta de lo lejos que estás de casa y lo mucho que vas a echar de menos a la familia y amigos y da un poco de vértigo, pero con el paso de los días todo cambia. La gente que conocí allí es maravillosa y a pesar de llegar en el segundo cuatrimestre me acogieron desde el primer momento. Formas una familia y debido a que solo te tienes los unos a los otros te ayudan en todo lo posible.

La experiencia en la universidad de Brescia, LABA, me hizo aprender mucho y desarrollar nuevas técnicas de aprendizaje. Tanto los compañeros como los profesores eran muy amables y aunque las clases eran en italiano y yo no lo hablaba, te ayudaban en el lenguaje todo lo que podían. A día de hoy, a pesar de haber estado solo cuatro meses, se que la estancia allí me sirvió para conocer mejor mí estilo a la hora de diseñar.

Erasmus + en Brescia

¿Qué es lo que más le llamó la atención de Accademia di Belle Arti y LABA?

Accademia di Belle Arti LABA, es la universidad en la que yo estuve durante los cuatro meses de estancia, lo que más me llamó la atención fue la manera de diseñar. Siempre lo hacían de manera conceptual, buscando un trasfondo a cada una de las prendas. No diseñaban pensando en lo bien o mal que podía quedar la prenda, sino en el mensaje que iba a transmitir.

Brescia es una ciudad maravillosa. Su arquitectura italiana es preciosa y cada rincón es más bonito que el anterior. Al ser una ciudad pequeña es muy segura y acogedora. Pero sin ninguna duda lo que más me llamó la atención fue su gente, siempre tan cercana y simpática.

Estudiar en Brescia

¿Qué fue lo peor y lo mejor de tu estancia?

Lo mejor de mi experiencia fue conocer a tanta gente. Aun siendo una ciudad muy pequeña, es lugar de destino para muchos estudiantes y gente joven. También la comida, es cierto lo que dicen de que en Italia se come muy bien. Uno de nuestros planes favoritos era salir a tomar el aperitivo a final de la tarde.

Después de pensar un rato, diré que mi estancia en Brescia no tiene nada de malo. Fue una experiencia increíble que repetiría otra vez.

¿Por qué crees que es importante vivir esta experiencia?

Creo que es importante vivir esta experiencia porque te ayuda a abrir la mente ante otra cultura, otro país y otra gente. También te ayuda a conocerte mejor a ti mismo, saber adaptarte y a ser más independiente. Es una experiencia que sin ninguna duda hay que vivir una vez en la vida.

¿Se han cumplido tus expectativas?

Se han cumplido mis expectativas ya que mi estancia allí fue inolvidable. Fue una gran oportunidad para conocer un país nuevo que me encantó y al que estoy deseando volver.

¿Te volverías a ir de Erasmus+?

Claro que me volvería a ir de Erasmus. Quisiera conocer otra ciudad y otro idioma, hacer más amigos y seguir aprendiendo sobre el diseño de moda.

Laura Urrios
¿Alguna recomendación en torno al diseño en Brescia?

Brescia es una ciudad muy pequeña que no tiene grandes museos, pero tiene pequeños establecimientos en los que puedes encontrar grandes obras de arte, ropa muy diferente, bolsos y zapatos vintage y antigüedades de mucha calidad. Si andas por sus calles verás que la moda está a la orden del día y la gente que vive allí no tiene miedo a arriesgar a la hora de vestir.

Resume tu experiencia Erasmus+, en una palabra.

Emocionante

Vivir un Erasmus+ en la Accademia Bella Arte di Napoli

Ainara Senis, alumna de 4 de Diseño de Moda participó del programa Erasmus+ durante el curso académico 2021/2022. La alumna del Centro Superior de Diseño HACER Creativo tuvo la oportunidad de disfrutar de esta experiencia y poder aprender nuevas técnicas y vivencias.

De regreso Ainara nos cuenta su experiencia:

¿Por qué te planteaste apuntarte al programa Erasmus+?

Siempre me había llamado la atención esta oportunidad. Por la parte académica, me atraía el hecho de aprender otro idioma como es el italiano y poder estudiar diseño en un país donde la moda tiene tanta presencia. Además, nunca he tenido “miedo” a viajar sola o irme una temporada fuera sin conocer a nadie desde un principio, soy bastante animada para eso. Sentía que podía aprender mucho de esta experiencia y así fue.

¿Cómo has vivido la experiencia?

La experiencia fue insuperable. Tuve la suerte de conectar desde el principio con un grupo de amigas españolas que hicieron que fuera así. En la ciudad había mucha gente de Erasmus y siempre había planes a los que apuntarse, no parabas ni un minuto.

¿Qué es lo que más te llamó la atención de Accademia Bella Arte di Napoli y de la ciudad de Nápoles? 

Con respecto a la Accademia, las distintas técnicas y formas de trabajar que allí tenían y sus proyectos. Aunque el objetivo final fuese el mismo al que tratamos aquí, el proceso era distinto y podías complementarlo con el que ya conocías. Mucha gente allí estudiaba diseño, y concretamente el centro conectaba totalmente con la estética de la propia ciudad.

Por la parte de la ciudad, en Nápoles todo puede llegar a llamar tu atención. Es un lugar que no puede pasar desapercibido. Tiene paisajes impresionantes y una historia y monumentos muy interesantes. Aparte de esto, me quedo con su gastronomía, el especial carácter de la gente, el ambiente que había en las calles y esa esencia caótica que la hace tan única.

¿Qué fue lo peor y lo mejor de tu estancia? 

Lo peor fue la sensación de sentirte lejos de tu familia y círculo cercano, pero es algo con lo que cuentas al irte. Lo mejor fue sin duda conocer a tanta gente y poder visitar distintos lugares. Disfrutar tanto de un país como es Italia y ver sus costumbres desde dentro. Cualquier plan que hicieses era interesante por el hecho de estar allí. Fue muy inspirador.

¿Por qué crees que es importante vivir esta experiencia? 

Aprendes muchas cosas que no esperabas. Desde el minuto uno tienes que adaptarte al lugar, a su idioma y a su gente. Abres tu mente en muchos sentidos y en la distancia, ves y valoras las cosas de otra manera. Además, aunque suene típico y repetitivo, es algo que no se olvida. Está genial irse una temporada y salir de tu zona de confort.

¿Se han cumplido tus expectativas? 

Se han superado totalmente. Cuando te vas, la cabeza se llena de dudas e incertidumbre por lo qué pasará. Una vez allí, cada día era una aventura distinta, no tienes tiempo de aburrirte.

¿Te volverías a ir de Erasmus? 

¡Sin ninguna duda, sí! Son muchas las cosas positivas que me llevé de Nápoles: los viajes, excursiones, su gente, gastronomía, sus calles y la cercanía de la gente. He vivido cosas que nunca me hubiese imaginado. Por esa parte, me siento muy afortunada y agradecida al programa, al centro y a mi familia.

¿Alguna recomendación en torno al diseño en Nápoles?

Tienen un sistema distinto y trabajan de otra manera, por lo que podrás aprender y aprovechar lo que sabes desde aquí y darle la vuelta, hace que te plantees todo. Es importante abrir la mente y exprimir todo lo que allí te enseñan.

Resume tu experiencia Erasmus+, en una palabra.

Sorprendente.

We Are Not Friends

El día 9 de marzo pudimos asistir a la segunda sesión del Ciclo Confluencias, que tuvo lugar en el Patio de la Infanta de la Fundación Ibercaja y fue organizada por el Centro Superior de Diseño Hacer Creativo.

En esta ocasión nos habla Matías Andrés, fundador y director creativo de We are not friends. Esta marca se caracteriza por su estilo juvenil que trata de expresar por medio de gráficos divertidos lo que vivimos a lo largo de nuestras vidas.

Su principal inspiración es el baloncesto, el rock psicodélico, los dibujos animados para adultos, el hip hop y el skate. Además, se refleja la habilidad de Matías Andrés a la hora de crear viñetas en cada uno de los gráficos empleados en sus prendas.

¿Cuáles son los proyectos que más y menos has disfrutado de todos los que has hecho hasta ahora?

¿Lo que menos? Lo que menos el proceso. Y lo que más… Quizás entre lo que estoy haciendo ahora y Rip N Dip.

¿Y qué es lo que estás haciendo ahora?

Ahora estoy con la marca de We are not friends y es un proyecto personal y me mola sacarlo adelante. Y Rip N Dip es una marca de estados unidos en la que he estado trabajando hace siete años y hubo buenos momentos porque tenía creatividad, o sea libertad absoluta de creación.

Entonces que la marca que nos vas a presentar ahora no es lo único que tienes. O sea haces más cosas.

Ahora sí. Bueno, se supone que la charla es retrospectiva de lo que hemos hecho hasta ahora, entonces ahora lo cuento, ya lo verás.

¿Qué te motivo precisamente a crear esta marca y cuáles son tus temas de inspiración? Porque mirando en tu página he visto que es mucho como diseño gráfico y como que el propio título es lo que vendes. ¿Eso de dónde lo has sacado?

Pues sí que hay mucho contenido gráfico, pero a nivel de confección las prendas aunque sean camisas y sudaderas están a un nivel mucho más superior que la media. A nivel de mercado, a nivel de calidad están muy por encima de la media. O sea, no solamente se está viendo el diseño gráfico, que a lo mejor es la parte más atractiva a primera vista pero la marca cala por la calidad y hemos hecho una expansión a nivel internacional muy fuerte por la calidad de la prenda. Y, ¿qué más me habías preguntado? ¿Por qué el nombre We are not friends? La historia, luego la contaré también, es que yo trabajaba en Rip N Dip. Empecé como freelance, pasé a full time y luego a mitad de la pandemia me dijeron que volviera al freelance. Esto significaba en este contexto como trabajar lo mismo y cobrar a la mitad. Y uno dice “Ostras la pandemia. Es demasiado complicada” pero en realidad es que para la marca no fue demasiado complicada porque estaban facturando como nunca. De hecho mi jefe se acababa de comprar un McLaren. Entonces fue pura ambición. En plan “tío quiero ganar más” y yo dije pues que no. Pues yo estaba en la pandemia, encerrado en casa, aburrido, y digo “Voy a pensar una serie de animación”. Iba a ser una serie de animación, pero al final como lo que sé hacer es ropa acabé haciendo una marca de ropa.

¿Y crees que en el futuro podrías sacar esa serie que originalmente ibas a hacer?

Ojalá. No lo sé. Ahora mismo no, pero ojalá.

¿Qué consejo le darías a aquellos que también quieran crear su propia marca?

Que no lo hagan.

¿Por qué?

Es muy complicado. No sé en qué mundo, pero yo todas estas cosas que veo de chavales jóvenes, que pueden tener vuestra edad, que se montan una marca, que dicen que se han montado una marca con 400€ y han ido al banco, que les han dado un crédito… Es mentira, ¿vale? Es que es todo mentira. O sea yo tengo una marca porque estamos en Estados Unidos, he ahorrado pasta y tengo dos inversores en Estados Unidos, y esa es la realidad. Toda esta gente que está diciendo que empieza una marca con 10000€, con 400€… Es que es mentira. Y hay un montón de marcas por ahí de chavales que tienen vuestra edad que empiezan con 2 o 3 millones de euros. Esa es la realidad, lo que pasa es que no lo cuentan y cuentan la historia del emprendedor, pero la realidad es que para una marca necesitas dinero de verdad y si no no va  a funcionar. Eso o eres colega  J Balvin, es la otra opción para que funcione, pero si no olvídate.

¿Lo de la pandemia qué supuso para creadores como tú? Es que me lo han mencionado mucho en esta clase de entrevistas, que surgieron un  montón de cusas durante la pandemia.

A ver, a mí si no me hubiesen intentado hacer la perrería yo seguiría trabajando en Rip N Dip, sinceramente. Y yo como siempre he trabajado en casa, ahora ya no pero porque me he buscado una oficina, pero yo estaba como Dios. Sinceramente, creo que no podía ir al gimnasio pero ahora ya llevo tres años sin ir. Ahora ya he decidido no ir nunca más, pero yo estaba muy bien en casa, la verdad. A mí la pandemia pues claro, a ver, no es fácil, pero a mi si no me hubiesen despedido no me hubiese montado ninguna otra cosa.

¿Te alegras de que hubiera pasado?

¡No, hombre! Evidentemente no, fue una mierda. Quiero decir, a mí no me supuso un breakdown ni una depresión ni nada de eso.

Antes has dicho que el diseño es gráfico pero vendes mucho la calidad, ¿eso cómo conseguiste que llegase al mercado? ¿Cómo haces que te distinga tu producto?

Tocándolo. En realidad es muy difícil percibir que tu producto es mejor que otro sobre todo en cosas tan básicas, pero al final cuando es un trabajo a largo plazo, cuando la gente lo toca, es cuando se da cuenta. O sea, cuando una tienda lo compra, cuando se da cuenta de que la calidad es muy buena, y cuando una tienda lo tiene en su frontal es cuando se ha dado cuenta de que el resultado con el cliente es muy bueno.

Relacionado también al tema de la sostenibilidad, en cuanto a marcas personales, ¿te parece más rentable tener productos de calidad que tener mucho producto normalito?

Tener producto de calidad no renta y esa es la realidad. Eso o lo puedes vender a un precio desorbitado. Es decir, si yo fabricase en vez de en Portugal y con un nivel bastante alto de calidad fabricase en Pakistán a mitad de precio ganaría el doble de dinero, pero probablemente no tendría los resultados que tengo. O sí, porque podría invertir mucho más en marketing, que es lo que le pasa a grandes marcas, pero bueno al final cada uno elige su camino.

¿Cómo te definirás en tres palabras?

No lo sé. “No lo sé” son tres.

 

Alejandra Soriano, 1º Diseño Gráfico

Alexandra Netoiu, 1º Diseño de Moda

Tíscar Espadas: la moda como una historia.

Tuvo lugar el pasado 14 de febrero la primera sesión del Ciclo Confluencias, organizado por el Centro Superior de Diseño Hacer Creativo, en el Patio de la Infanta de la Fundación Ibercaja. Nos habló la diseñadora del estudio Tíscar Espadas, cuyo estilo está caracterizado por prendas únicas y artísticas de una gran calidad formal.

 

Comenzó narrando su trayecto como creadora explicando cómo, al haber crecido en un entorno artístico, sabía ya desde el proyecto de fin de grado qué línea creativa a seguir era la propia a sí misma. Cuenta como su abuelo era mago, y siempre le llamó la atención la idea de hacer desaparecer o mostrar únicamente lo que se quiere mostrar. Fue aceptada en el Royal College of Art mientras estaba trabajando en Copenhague, y decidió seguir formándose antes de crear su propia marca.

 

Esta es una que toma como referencia distintas conexiones y elementos, que acaban formando parte de una misma historia, y busca transmitir mediante la ropa sensaciones y momentos como la gracia del baile flamenco y elegancia de la pose del torero. Esta última, por ejemplo, se ve reflejada en la colocación de los bolsillos de un pantalón hacia la parte trasera del mismo, que obliga el brazo a trazar esa línea y forma propia del torero. Sus colecciones continúan a la anterior, trazando así un relato cada vez más enrevesado y completo.

 

A la hora de manejar estos diseños, recuerda como una de sus primeras dificultades como diseñadora en el ámbito académico fue aprender a trasladar aquello que ella dibujaba sobre el papel a la prenda física y material. Por otra parte, en el mundo laboral su mayor preocupación comenzó a ser los pedidos, pues no disponía en el momento ni de los conocimientos empresariales ni de las facilidades de producción necesarias para alimentar esa demanda. Conocía el proceso de diseño y cómo manejar su creatividad, pero no las cuestiones de venta. Cita, cuando quedó más establecida la marca, que solo se es diseñador si sabes juntar un equipo que cumpla unas funciones y

necesidades concretas. La conferencia de Tíscar Espadas ofreció un referente imprescindible en cuanto al mercado de la moda hoy en día para diseñadores jóvenes y emergentes.

¿Cómo empiezas el proceso de investigación o diseño de una colección?

Es como una historia que está siempre en continua creación, mi idea desde que empecé con la marca siempre ha estado relacionada de cierta manera con un punto de vista un poco más artístico, digamos que nace de un proyecto más alejado de la moda. Yo estoy dentro de la industria, y trabajo para ella, pero creo que no tiene sentido para mí hacer ropa de la manera en la que se está haciendo. Sobreproducir, nos estamos cargando el planeta, la sociedad, y la misma moda. Nace con la idea de crear historias, o articular, crear un lenguaje donde el receptor sienta algo. A veces decepción, otras veces ganas de soñar, evadirse de cierta manera. Yo siempre me lo he tomado como un reto más creativo, un reto donde narrar una historia, hacer sentir al espectador, tanto con la

imagen que creamos como con la misma prenda que viste el cuerpo y que cumple una función.

También es todo un poco anecdótico, de que no tiene una razón o una investigación previa, sino que la primera colección que hice dije ‘Bua, que chulo que cada colección sea como parte de una historia’, porque al final yo disfruto mucho creando historias, o imaginando quién se va a poner esa ropa, quién va a ser el personaje, igual que con lo del dibujo. Y dije, bueno, pues capítulo uno y de ahí, no sé si habrá más.

 

¿Cuáles son tus temas de inspiración?

Pues fue la unión de muchas referencias, digamos: vivencias, momentos, sensaciones, y no tenía como una inspiración fija, o núcleo, sino que tenía muchas cosas que quería contar y decir. Y de ahí empecé a trazar la idea de crear diferentes personajes, que cada uno representara y tuviera una simbología. Eso es lo que me guía cada colección, un poco el crear esos personajes que al final luego se transforman en otros de los que te imaginas al principio conforme vas creando y vas componiéndolos. Pero parten un poco de la creación de esa primera colección, de crear varios personajes que hablaran un poco de mis raíces. O, al ser de España, siempre veía las típicas colecciones de torero, flamenca, etcétera. Me atraía mucho, de cierta manera, la masculinidad y la feminidad. Por ejemplo, en la figura del torero, en la vestimenta, o de un bailarín flamenco cuando se quita la chaqueta con ese poder. Son momentos que tú tienes grabados, que dices ‘Yo quiero transmitir eso con la ropa’. Entonces empecé a crear como los diferentes personajes, que luego en sí son otros. Que depende de cómo juegues con el estilismo, con las prendas, y cuando ya la gente también lo viste, imagínate, son nuevos. Parte un poco de esa idea, y de sobretodo jugar siempre un poco con la realidad y el mundo de los sueños, de lo que no es real o intangible.

 

¿Cuáles son para tí las mayores dificultades para diseñadores jóvenes hoy en día?

Pues que si no tienes un presupuesto o una inversión detrás tuya, dinero, digamos, la parte económica es la más dura, porque te das cuenta de que no es solo talento, no es solo suerte, no es solo trabajo (y mucho trabajo), sino que si no hay dinero detrás, no hay alguien que te sustente… la figura del mentor como que ya ni existe. Sin un dinero detrás, no puedes llevarlo a cabo, yo me he dado cuenta de que a veces veo cosas que digo ‘Bua, qué potencial’, pero claro, no hay un dinero detrás. Y en otras marcas no hay nada, pero tienen mucho dinero. No hay un gusto, ni un lenguaje. Yo creo que eso es lo más difícil, para mí es eso, tengo muchas ideas, mucho potencial, pero claro, no podemos hacer más, porque es real, es una inversión que hacemos. Vas como siempre luchando, todo el mundo quiere sacar algo de tí pero tú no puedes dar más.

 

¿Y para mantener a flote una marca de moda artística, es similar?

Claro, yo eso es lo que siempre digo. Yo misma soy como mi ‘derrotera’, digamos, porque voy en contra de la moda en sí. Al final está en una industria que se hace caduca, o que una tendencia anula la anterior, y claro, luchar en contra de eso es muy difícil. Porque la misma industria te pide que hagas algo que sea más efímero, y todas mis prendas están acabadas con bieses dentro, no hay nada de remallado, todos los tejidos son naturales. Son muy únicas, y son muy caras. El precio que tienen es el precio del material, del trabajar con gente del entorno, producir cantidades muy limitadas.

A mí me ha costado mucho asimilar que ese es el precio, y no soy yo la que habla, mi pareja también está dentro de la marca, tengo un equipo pequeño, siempre la discusión es esa, hay que mantenerlo porque al final lo bueno es que hemos encontrado un consumidor que lo compra. Es muy importante eso. Aún estoy aprendiendo, y ahora que ya tenemos bien definido un poco qué hacemos y hacia

quién va dirigido, ahora hay que hacer esa base como mucho más sólida, y trabajar en eso.

Hacemos una colección por año, y dentro del mismo año sacamos como pequeñas colecciones cápsula, o algunas prendas más especiales, que igual las ponemos online y a un precio un poco más bajo, porque nos podemos permitir ese margen, pero cuando vendemos en tienda no. Intentamos jugar con eso, pero nos ha costado mucho llegar a ese momento. Creo que al final tienes que ser insistente, que sea sólido.

¿Cómo definirías la marca?

Es un proyecto bastante libre, en cuanto a que el que lo viste, la idea que hay detrás, no hay como mucha atadura, sino que da rienda suelta a la imaginación, no hay un género, no hay una edad, y luego el que la viste lo lleva también como que de cierta manera crea su propio personaje, hace de él como algo más propio. En continuo proceso.

Zaragoza lidera un proyecto europeo que fomenta la participación y empleabilidad de la mujer en el sector de creación de videojuegos.

El Centro Superior de Diseño HACER Creativo de Zaragoza lidera el lanzamiento del proyecto europeo Fair Game, una iniciativa destinada a fomentar el equilibrio de género, la resiliencia y el liderazgo en las carreras de diseño de videojuegos.

El proyecto está participado, además de por el Centro Superior de Diseño de la ciudad HACER Creativo, por la Nuova Accademia di Belle Arti (NABA) de Italia, la Moholy-Nagy University of Art and Design (MOME) de Hungría, la Royal Danish Academy de Dinamarca, el centro de formación UT-HUB, también ubicado en Zaragoza, que proporcionará formación oficial del motor Unreal Engine de Epic Games, líder de la industria mundial del gaming, y la asociación sin ánimo de lucro FemDevs, que busca promover el interés, la participación y la presencia de las mujeres en la cultura del videojuego. Todo ellos se han reunido en Zaragoza para calendarizar las actividades que se llevarán a cabo hasta abril de 2025, fecha de finalización del proyecto.

«Fair Game: Fomentando el equilibrio de género, la resiliencia y el liderazgo en las carreras de diseño de videojuegos”, cofinanciado por el Programa Erasmus+ de la Comisión Europea, busca promover el interés y la empleabilidad de la población femenina en la industria del videojuego, un sector ocupado en más de un 80% por hombres. Para conseguirlo se dotará a las estudiantes de los recursos y la capacitación en las más avanzadas herramientas digitales que faciliten su contratación en este sector industrial que demanda personal altamente cualificado.

Entre las actividades incluidas en el proyecto Fair Game destaca la realización de un documental con historias de mujeres reales desarrolladoras y diseñadoras de videojuegos a través de las que podrán descubrir experiencias e inspiración para otras mujeres más jóvenes y se pondrá de manifiesto la necesidad de un sector más inclusivo. Además, se programarán encuentros, talleres y la creación de una guía de buenas prácticas para fomentar el diseño y liderazgo colaborativo, el empoderamiento de la mujer y la diversidad en la industria tecnológica.

La programación también contempla un curso de verano que busca responder a las exigencias de un mundo altamente digital, multidisciplinar e intersectorial. La formación se centrará en mejorar las habilidades técnicas en diseño digital de las alumnas con el motor gráfico Unreal Engine, la plataforma de creación 3D en tiempo real más avanzada del mundo utilizada para el popular Fornite. Unreal Engine ofrece posibilidades más allá de los videojuegos en industrias como la del diseño industrial, la arquitectura, la ingeniería, la construcción, el cine y la televisión, entre otras. Una herramienta que demuestra el gran potencial y las oportunidades que ofrecen los softwares de creación 3D en tiempo real y como pueden servir para fomentar la diversidad en la industria y cultura del videojuego.

Los empleos que requieren competencias en tiempo real han crecido casi cinco veces más deprisa que la demanda de conocimientos de 3D tradicionales y se prevé que la demanda de candidatos con conocimientos de Unreal Engine crezca un 122% en los próximos diez años.

La prueba piloto del curso de verano se realizará en Zaragoza y Milán, en los meses de julio y septiembre de 2023. Las participantes serán veinte estudiantes universitarias procedentes de las cuatro universidades participantes que culminarán su formación con un reto de diseño para el que recibirán tutorización y guía de profesores y profesionales de todas las organizaciones integrantes del proyecto europeo.

Irene Rodrigo: Alhaja, cómo crear tu propia marca.

Se organizó durante la semana del 20 al 22 del pasado diciembre la cuarta edición de Hac_r Diálogos, una serie de jornadas abiertas al público en las que profesionales del ‘saber hacer local’ son invitados a aconsejar y compartir su experiencia en el mundo laboral tanto con el alumnado como con todo aquel interesado, ofreciendo así un valioso referente dentro de la industria del diseño gráfico y de moda.

 

Contamos durante la tercera jornada con Irene Rodrigo, cofundadora de la marca de joyería Alhaja Cult Store, quien nos dio durante la conferencia una serie de claves para comenzar a crear nuestra propia marca o producto desde su propia experiencia. Cuenta como, para ella y su compañera, María, esto surgió como una necesidad de expresión: pues consideran que lo importante es la continuidad, calidad, y belleza sin género ni tendencia de la joya, y quisieron reflejarlo en sus propias creaciones.

 

Ambas se conocieron trabajando en la industria de la moda rápida, concretamente para Zara, y crearon juntas en 2015 la empresa Jägger Studios. Esta ofrecía asesoramiento de diseño a fábricas asiáticas, para facilitar su integración al mercado, hasta que la pandemia del COVID-19 hizo imposible continuar el proyecto. Y siendo que en aquel momento ya habían empezado a crear Alhaja, decidieron dedicarse completamente a ello. Es este proceso el que emplea como ejemplo para ilustrar cada paso de la definición de la marca.

 

El primero de todos consiste en la descripción del producto, la actividad principal de la empresa. En su caso, son artículos de joyería de diseño propio en latón con tres micras de baño en oro de 24 quilates, a los que ellas mismas se refieren como una ‘compra única y aspiracional’ para el mercado más joven: siendo que son ellas mismas quienes deciden el precio a poner, destacan entre sus competidores por el asequible equilibrio entre calidad y precio. Siguen además un hilo conductor de artesanía, folklore, tradición y naturaleza, pues aunque fabriquen las piezas con moldes en fábricas, su personal es uno reducido y cercano que trabaja en sintonía con los valores e identidad que define la marca. Asimismo, establecer relaciones con marcas afines que no formen parte de la competencia potencia la imagen de uno mismo, y ayuda también a darse a conocer en el mercado mediante colaboraciones. Saber a cúal nos dirigimos supone un punto imprescindible para enfocar los pasos que vienen a continuación, en su caso es un mercado orientado al extranjero.

 

Una vez sabemos qué queremos vender, podemos empezar a promocionarlo. Algunos recursos son los canales de venta como tiendas y servicios multimarca online, tiendas pop-up y físicas, y grandes almacenes, además de las páginas web, redes sociales y relaciones públicas. Fueron descritos estos y muchos más conceptos durante la conferencia, que aportaron referentes realmente prácticos para comprender cómo hacer florecer una empresa no solo desde su lado creativo de cara al público. Manteniendo firmes, además, los principios éticos y valores de la misma, Alhaja y sus fundadoras dan un gran ejemplo a seguir para todo aquel que busque seguir un camino afín.

 

 

¿Qué crees que necesita hoy en día el mundo del diseño, qué puede aportar nuestra generación?

 

Vale. Pues, lo que creo que necesita es como centrarse un poco en los valores que uno quiere transmitir y conseguir una personalidad propia. Creo que hay, las tendencias van tan rápido que muchos diseñadores fluyen de un lado a otro, y no tienen una identidad propia, un sello propio, creo que eso es lo que falta hoy en día.

 

¿Y con el auge que está teniendo actualmente la sostenibilidad y lo ecológico, crees que eventualmente desaparecerá, o se conseguirá generar un cambio en la cultura del consumismo rápido y el fast fashion?

 

La verdad es que no lo sé. Me gustaría pensar que sí, hay culturas en las que sí ha pasado, como las nórdicas- aborrecen bastante el fast fashion, y tienen un armario reducido y bueno. Pero, en España concretamente no lo sé, el fast fashion está muy arraigado. También creo que hay fast fashion y fast fashion, es decir, no sé si es porque he trabajado en Zara o por qué, pero yo conozco cómo trabaja Zara en sus fábricas y están todas perfectísimamente auditadas, mucho más que lo que puedes hacer una marca pequeña, que no tiene ese acceso a ver en qué condiciones están los trabajadores continuamente y tal, un Zara por ejemplo sí, porque tiene personas que solo se dedican a eso 24/7, mirar que no haya nada que se esté escapando, fuera de lo normal, que no se vayan las producciones realmente a otra fábrica más barata, tal. Entonces creo que tampoco hace mal del todo, creo que el mal está en el consumidor. Tampoco son unos precios tan populares, no es Shein, que eso sí que ya es el fast del fast del fast, entonces, creo que está mal en nuestro, osea, como consumidores, en la cantidad que compramos. Pero no está en ellos como empresa, ¿me explico? Si tú compras menos, ellos producirán menos. Ya está. Pero no creo que vaya a dejar de existir, creo que se va a transformar en otra cosa. De hecho, en Zara son muy listos, no dan puntada sin hilo, y hay mucha gente trabajando allí muy inteligente. Si lo ves, ya están haciendo colecciones muy premium, de muy pocas unidades, no sé si te has dado cuenta- es interesante que lo observéis, aunque entiendo que huís de eso, pero hay gente brillante haciendo cosas brillantes, entonces hay que observarles de cerca. Están haciendo colecciones muy premium, colaboraciones con diseñadores, tanto de nombre como de no, vendiendo, obviamente, más caro porque son menos unidades y tal… Yo creo porque le están viendo las orejas al lobo a esto, en plan. Es que la gente va a consumir menos, sí, pero no creo que vayan a desaparecer este tipo de empresas. Se van a transformar. Otras desaparecerán, obviamente. No sé, no confío nada en Shein, en Primark y tal porque ¿qué ofrecen? Nada. Producto barato, absolutamente nada más, no tienen valores, no ofrecen calidad… Pero es una opinión propia, es que la verdad es que no lo sé. Y no sé realmente cómo piensa vuestra generación, porque una cosa es como pensáis, y otra cosa es cómo os comportáis, creo. Porque mucha gente dice ‘ah, sí, ecológico y tal’ y luego todo el mundo está en Bershka comprando. Entonces digo, ¿cómo piensan realmente?

 

 

¿Qué consejo inicial le darías a alguien interesado en ir creando su propia marca?

 

Bueno, pues si tienes ya una inquietud de crear tu propia marca, por qué no empezar ya. Aunque estés haciendo otra cosa, porque esto lleva muchísimo tiempo.  pero bueno, ve construyendo tu imagen, ve mirando quién te puede producir qué, ve haciendo unas fotos de tus muestritas a unos amigos, tal. Ve probando en el mercado si eso funciona, si la gente realmente lo necesita, o no lo necesita, si le gusta, o no le gusta, antes de saltarte, antes de llegar a algo tan profesional, quizá. Ve probándolo, y consejo también, ten mucho cuidado con los costes, claro, pues eso, con cuánto dinero cuentas, en qué lo quieres destinar, supongo que primero en el producto, luego en… Y luego, otro consejo, que me gusta bastante pero vamos, que yo lo hago por mi experiencia. Como digo, faltan diseñadores auténticos, con un (chasquea los dedos) algo especial, sé fiel a tus valores, y transmítelos, porque a veces hay como por ahí diablillos tentadores como me pasa a mí con Amazon o con tal, pues lo mismo: ‘imagínate que soy una marca renacentista, pero ahora me apetece hacer un pantalón para rosalía, pero nosequé’- A ver, pero tú qué eres, a qué público vas… A mí me gustan las marcas auténticas. Porque si no ya tienes Zara, ya tienes eso.

 

 

¿Resulta más útil tener contactos, o tener estudios, a la hora de crear un negocio o encontrar trabajo?

 

Eh, contactos. Sin dudarlo. A mí los estudios me han servido de bastante poco la verdad, contactos y lo que os decía, curiosidad por las cosas. También lo he visto eso, la gente- a mí me gusta la gente curiosa, y veo que es como la gente que va llegando lejos. Y la gente no curiosa, ¡bueno, en moda, en moda! Pues no te dediques a la moda o al diseño si no eres curioso. Y en los estudios, pues a mí…. Hombre, obviamente me han servido un poco, no te voy a engañar, pero no muchísimo. Casi todo lo que he aprendido lo he aprendido trabajando. La verdad que yo no era una gran estudiante ni nada de eso, y los contactos me han venido muy bien sobretodo ya para cuando me he montado mis propios negocios. ‘Hola, le puedes dar un collar a no sé cuantitos; oye, me presentas a nosecuantos, que quiero montar con ella un pop up’, ya directa.

 

¿Y para conseguir el primer trabajo nada más salir de la carrera, es lo mismo?

 

Ah, no. Eso en mi caso, no. Esfuerzo, estar ahí, hay muchas bolsas de trabajo, y pues no tener miedo a eso, ni prejuicios a ‘no quiero trabajar para el fast fashion’ y tal, que veo que hay mucha gente que piensa así y eso: es una gran escuela, es una gran escuela, y estando dentro puedes cambiar cosas. Y aprenderías muchísimo, y eso a su vez te da los contactos, y te da las facilidades para luego hacer lo que tú quieres hacer. Hay que hacer, las cosas se cocinan a fuego lento. No puedes de repente, creo, marielas hay unos, ¿sabes? Entonces pues otra vía, obviamente hay la vía del talento, pero hay uno. La otra vía, es un poco esta. Te vas metiendo en sitios, pues eso en España tenemos grandes empresones pero pues son lo que son. No es París. Es España. Bueno, quiero decir, o Coruña o Barcelona, concretamente. Pero vamos, tenemos esa posibilidad, entonces.

 

 

¿Qué diferencia una buena marca o producto, de uno mediocre o no tan bien resuelto?

 

La calidad, absolutamente. Porque puedes disfrazar algo de calidad, yo lo veo mucho. Quiero decir, nosotros, que nos dedicamos a esto, podemos apreciarlo perfectamente, a la gente que no se dedica a esto le puede impactar mucho una marca que visualmente lo hace muy bien, o tiene unas creadoras guapísimas, que sale todo el rato en Instagram y dicen ‘yo quiero ser como ellas, me lo voy a comprar’, pero probablemente cuando lo reciba, muy bien y tal, pero no lo volverá a comprar, porque la calidad es lo que hace que la gente vuelva a comprar. Entonces, absolutamente, la calidad.

 

¿Crees que existe un problema hoy en día respecto a esta valoración de calidad, tener un cierto criterio?

 

Sí, existe un problema, la gente no lo sabe. La gente no lo sabe, pero porque ya no le han educado, uno, nosotros en nuestra casa, nos lo estamos educando por nuestros estudios, cómo están hechas las cosas, las calidades realmente pues que sea un lino maravilloso de Italia… Tú sabes percibir todo eso, pero el cliente normal al uso no lo sabe. Y es que encima la mayoría en sus casas tampoco se lo han enseñado, porque dices ‘no, pero si yo en casa…’, Pues yo que sé, tu madre, yo a mi hijo le cuento, pues yo qué sé, yo estoy un poco tarada, pero la mayoría de madres no les cuentan a sus hijos en plan ‘eso no, que es un disfraz de poliéster asqueroso’, yo a mi hijo se lo voy contando un poco. Entonces, claro, es educacional, y se ha perdido. Entonces ahora, se premia mucho la moda respecto a la calidad, osea, unos patrones que se hacen fatal, las cosas mal hechas, y tal- y la gente lo compra. Pero luego, se ve. A eso me refiero con la calidad. Puedes engañar una primera vez al cliente, pero no una segunda. Entonces si quieres ser sostenible en el tiempo, es muy importante, que es lo que dice el fundador de Patagonia en su libro, hoy en día hay marcas que surgen para petarlo dos años y adiós. ¿Os acordáis de Hawkers, las gafas…? Sois muy jóvenes. Hubo como unos booms en Facebook de unas marcas que hacían ciertas cosas que lo petaban, todo el mundo, porque era publicidad, publicidad, publicidad, y era súper barato. Entonces esa gente, luego del mercado desaparece. Ya, no se compra. Son marcas que quieren reventarlo dos años y desaparecer. Pero si tú quieres vivir de esto, y hacer una marca sostenible- ya no te digo que se recuerde en la historia- pero, pues no sé, una marca agradable para la gente, vivir a gusto de esto, hacerla crecer y tal, no puedes engañar más de una vez al cliente.

 

 

¿De dónde sacáis la inspiración para los diseños y los nombres?

 

Son mediterráneos, todos. Pues son todo nombres de personas influyentes en la historia del mediterráneo, o de ciudades mediterráneas, ríos mediterráneos, dioses griegos, romanos, todo tiene que ver con esto. Eso en cuanto a los nombres. La inspiración también es tpda del mediterráneo, y del folklore. María al final es la parte creativa, y ella es una sevillana, muy sevillana. Pero no muy sevillana, no te la imagines con con la peineta y el traje, porque es muy moderna, sabes, pero quiero decir, es súper sensible a todo lo que le rodea, le encanta- ella va a un pueblito de Italia y se fija en la señora que hace la pasta, nosequé- se fija en todos los pequeños detalles y todo eso le inspira, entonces, en su Andalucía le inspiraron muchas cosas muy andaluzas, que es lo que queremos transmitir un poco, la naturaleza nos inspira mucho, la playa, toda está un poco en la costa, mediterránea y tal, y los viajes que hemos hecho.

 

¿Existe una narración entre el nombre y la pieza?

Entre el nombre y todas las figuras sí, Alhaja significa objeto muy preciado o de gran valía, entonces siempre intentamos transmitir eso. Pues yo que sé los mensajes, son mensajes de amor, los nombres son Amalfi, de la costa amalfitana, Hidra, de la diosa griega, Babilonia, de la antigua Babilonia, Beggia (¿?), que es el idioma de los nómadas africanos, (no sé).

 

¿Y ese concepto influye también en el diseño?

 

Bueno, primero se diseña y luego se pone el nombre. Esto es una trampa. Que sepáis, yo le decía a María, ‘Tío, María, es que nadie lo hace- tenemos que hacer moodboards, crear la historia y luego el diseño’. Y me decís ella, que ella lleva muchos años trabajando en cosas de diseñar realmente, ‘¿Pero tú te crees que los diseñadores hacen eso?’ Primero diseñan lo que quieren, y luego ya inventaremos una conexión, y yo soy la que inventa la conexión en plan. ‘Vale, pues esto entonces, a ver María’ Ella me dice algunos nombres, pues esto me he inspirado en, yo que sé, en un viaje que hice a Líbano, nosécuantitos, tal, entonces digo vale, pues esto se va a llamar, ‘éxodo’, éxodo porque como está inspirado en todos los países árabes del mediterráneo, pues las antiguas familias, sus reliquias, cuando huían de esos países, nosequé, y aquí (chico) lo inventamos. Hace falta mucha creatividad, eso es lo que me gusta también mucho de esto.

Rocío Badiola: Editorial de moda.

Se organizó durante la semana del 20 al 22 del pasado diciembre la cuarta edición de Hac_r Diálogos, una serie de jornadas abiertas al público en las que profesionales del ‘saber hacer local’ son invitados a aconsejar y compartir su experiencia en el mundo laboral tanto con el alumnado como con todo aquel interesado, ofreciendo así un valioso referente dentro de la industria del diseño gráfico y de moda.

 

Contamos durante la segunda jornada con Rocío Badiola, fotógrafa dedicada a la editorial de moda que ofreció durante la conferencia tanto una visión interna del oficio al que se dedica y la situación actual del mercado, como varios referentes en cuanto al rumbo que ella misma tomó o que podemos seguir nosotros para acercarnos a la industria. Comenzó así definiendo el término de ‘editorial de moda’, primero de manera formal y luego aportando sus propios matices.

 

Esta es un género fotográfico que busca contar una historia, sea como recurso para la publicación de una revista o con fines comerciales dentro de la campaña de una marca. Cuenta con un gran equipo, compuesto no solo por el fotógrafo y modelo sino también por los maquilladores, peluqueros, estilistas y directores de set, para asegurarse de que todo sale como debe ser y se cumple la función narrativa y estética de la fotografía. Con un fin comercial encontramos también el denominado e-commerce, un tipo de fotografía diferenciada por enfocarse únicamente en representar bien el producto para plataformas de venta online. No obstante, ciertas tendencias actuales pueden aplicarse a ambos géneros: tales como una mayor diversidad de representación cultural, raza, condiciones de la piel y, en algunos casos, talla. También se aprecia cierta inclinación por lo orgánico y natural, en sintonía con un movimiento a favor de la sostenibilidad en la industria.

 

Apostando por publicaciones no tan convencionales de esta fotografía, nuestra invitada dio a conocer un listado de revistas independientes fuera de la corriente principal ofreciendo además una breve descripción de cada una de ellas, The Gentlewoman, AnOther, Document Journal, So It Goes, Unpolished y Unconditional siendo solo algunas de las que llegó a mencionar. A estas referencias se les sumaron más adelante fotógrafos de renombre con estilos y un uso del lenguaje fotográfico muy característico, ilustrando la cantidad y variedad de resultados que pueden llegar a conseguirse en función de los objetivos e identidad de cada uno. Algunos de ellos fueron Paul Horst, Helmut Newton, Richard Avedon, Patrick Demarcherler, Annie Leibovitz, Rafael Pavarotti, Sam Rock, Julia Hetta, Vincent Van der Wijngaard y Cass Bird.

 

Los consejos finales que aportó la conferencia fueron los de centrarse no necesariamente en ser creativos o demasiado perfeccionistas, sino en hacer las cosas bien para ir desarrollando un cierto criterio y saber elegir o encontrar un equipo acertado. Aprovechar la oferta cultural local y alejarnos un poco de la saturación social de las redes supone también un recurso muy útil, además de comenzar copiando para saber realmente qué línea queremos seguir. En palabras de nuestra propia invitada, se trata de ‘no perder la motivación nada más salir de estudiar’.

 

 

¿Qué crees que necesita hoy en día el mundo del diseño, qué puede aportar nuestra generación?

 

¿Del diseño de moda? Pues, joé, esa es una muy buena pregunta. Pues yo creo, como lo decía antes, en realidad las marcas se están basando en vosotros, en las generaciones de ahora, y yo creo que- realmente no sé exactamente lo que vais a aportar, pero lo que aportéis será lo que dictamine el futuro, no, el futuro de las marcas. Simplemente por eso, porque las marcas se fijan totalmente en vosotros, en lo que vivís. Es que para vosotros, creéis que no estáis haciendo nada pero lo estáis haciendo todo sin saberlo, y es por eso que las marcas se fijan en vosotros. Bueno, y también estoy segura que irá muy ligado al tema de la sostenibilidad, porque es algo que viene muy fuerte, muy fuerte, y es bueno que sea así y es importante. Pero bueno, sí, la verdad es que la respuesta sería esa: yo no sé lo que va a ser, ni siquiera lo sabéis vosotros, pero es algo que se va a dar y las marcas yá están mirando hacia vosotros.

 

 

¿Qué consejo inicial le darías a alguien interesado en ir creando su propia marca, o estableciendo una identidad propia?

 

Pues ese, lo que he dicho antes en la charla. Yo creo que no obsesionarse por el tema de ser creativo, ser creativo, ‘tengo que ser creativo, tengo que hacer un moodboard que sea la bomba, un cuaderno, nosequé’, no.  Yo creo que lo importante es no estresarse, estar feliz contigo mismo, no querer aspirar a algo increíble, y directamente yo empezaría por el tema de copiar, sí. Es lo que a mí me ayudó, y es lo que les ha ayudado a muchísimos, y además hay que de verdad acabar con el tema de que copiar es algo malo. No, no lo es, de hecho copiar es parte del proceso creativo, eso está clarísimo. Copiamos, los artistas clásicos empezaban copiando, y todo, y realmente es así, como se empieza en todo.

 

 

¿Resulta más útil tener contactos, o tener estudios, a la hora de encontrar trabajo?

 

Contactos, sin duda, sin lugar a duda. Obviamente es una mezcla de los dos, pero, la verdad, yo que estoy en fotografía de moda, y que trabajo en el mundo profesional, lo más importante desafortunadamente son los contactos, sí. No dudaría en eso.

 

Yo creo que lo de los contactos es un tema que cuesta muchísimo, a mí, de siempre me ha costado un montón, pero hay que perderle el miedo y bueno, contactar a gente- mira, el otro día leía un fotógrafo que decía ‘yo cuando empecé, envié mi portfolio a doscientas marcas y respondieron dos’. Y es un fotógrafo que ya hacía fotos muy buenas. Pues sí, la verdad es que es una pena, pero es así. Y hay que insistir en contactar, en contactar, en contactar, sí, y tener un buen portfolio. Pero portfolio, es importante pero no tanto, no tanto, lo importante ya te digo sí que desafortunadamente son los contactos. Y luego ya, pues eso mira, ya habrá tiempo para seguir construyendo tu portfolio. Obviamente si tu trabajo es muy malo, pues entonces los contactos igual te van a servir pero no tanto. Pero damos por hecho que sois gente que puede aportar algo, aunque sea mínimo, algo.

 

 

¿Cómo escoges en tus trabajos el tema de inspiración, la narración que tiene la fotografía?

 

Ay, me encanta esa pregunta, me encanta. Pues, sí, me gusta muchísimo esa pregunta porque ahora precisamente voy a elegir las diferentes temáticas que elija va a ser precisamente porque últimamente estoy yendo más a, tengo un poquito más de tiempo libre y entonces puedo ir a, el otro día estuve en un espectáculo de danza chulísimo, y que me surgieron un montón de ideas, un montón de ideas, y es que solo quería salir de allí, en plan digo ‘voy a hacer cosas, voy a apuntarlo’, que pena que no me llevé una libreta ni nada, no, pero me surgían un montón de ideas, y sí, yo creo que la inspiración va a venir de ahí, de lo último que he visto en danza, de lo último que he oído en música, en cine, sobretodo, muchísimo cine, y sí, más que estar metido ahí en Instagram.

 

 

¿Cómo decides, en función del encargo, aplicar cada principio del lenguaje fotográfico?

 

A veces viene dado por el cliente, muchas veces viene dado por el cliente, porque tú vas a hacer fotos, a dirigir a la modelo, y tal, pero todo el resto viene dado, viene el maquillador, el estilista, la luz, por ejemplo en Inditex está todo controladísimo, tú no puedes decir ‘voy a hacer esta luz’, no, es la luz que hay y es así, tú solo vas a dirigir a la modelo y hacer las fotos, ya está. Pero cuando es un proyecto así, en el que tú decides todo, pues es la agencia o el cliente el que te da un moodboard, te da un moodboard de lo que quiere hacer. Y normalmente va definido ahí, sí, va definido que lo quiere, ‘pues vamos a hacer la campaña de verano’, y lo quiere en la playa, o lo quiere en el campo, y sí, suele estar definido. Y si no, yo tengo mis moodboards y lo propongo, propongo un tipo de moodboard u otro.

María Gurrea: Crea tu marca personal.

Se organizó durante la semana del 20 al 22 del pasado diciembre la cuarta edición de Hac_r Diálogos, una serie de jornadas abiertas al público en las que profesionales del ‘saber hacer local’ son invitados a aconsejar y compartir su experiencia en el mundo laboral tanto con el alumnado como con todo aquel interesado, ofreciendo así un valioso referente dentro de la industria del diseño gráfico y de moda.

 

Contamos durante la primera jornada con María Gurrea, experta en branding y docente además del centro con la asignatura de Marketing y comunicación, quien nos habló de la importancia de la marca personal en el mundo de hoy en día y cómo comenzar a crearla. Destaca entre sus principios, tal y como veremos más adelante en su entrevista, la necesidad de tener un punto de vista propio y firme y una identidad bien asentada y definida para ser capaces de contribuir al mundo, y saber también cómo queremos hacerlo.

 

Deconstruye inicialmente algunas ideas erróneas sobre el concepto de ‘marca personal’, tales como la asistencia continua a eventos con el único objetivo de establecer una notoria presencia pública, la cantidad de seguidores en redes sociales, o la introspección íntima de cada uno. Explica así cómo lo que realmente refleja el término es el valor que nos diferencia del resto en la mente de los demás, aclarando que ‘La marca en sí está vacía: es lo que se espera, piensa o quiere la gente de nosotros’. Pasa luego a describir las pautas iniciales a seguir para comenzar creando esta marca, y cómo darla a conocer una vez la tengamos más o menos asentada.

 

El primero de estos pasos es encontrar el ‘adn’, el núcleo de la marca mediante el autoconocimiento: cuáles son nuestros atributos, destrezas, valores, propósitos y, por tanto, nuestro valor como persona o producto. Dicho en pocas palabras por la propia invitada, ‘Cómo te diferencias, si tú realmente puedes aportar esa diferencia, y si a alguien le interesa’. Este proceso de entrada marca ya la narrativa de la empresa, creando la identidad y visión auténticas que defiende esta profesional. Otro punto también a tener en cuenta es el mercado al que nos dirigimos, pues debemos encontrar aquel público que comparta nuestros valores, con el que tengamos algo en común, para encontrar sitio en el mercado.

 

Es así como surge la necesidad de darse a conocer mediante plataformas y herramientas de comunicación, aunque no se aspire a una visibilidad muy amplia. Algunos de estos podrían ser la asistencia a eventos y presencia en redes sociales, o la publicidad y páginas web. Se hizo, sin embargo, gran énfasis durante la conferencia en el networking o relaciones públicas: un proceso en el que la marca establece una relación desinteresada con el público, sin fin comercial, con el simple objetivo de darse a conocer o aportar valor mediante colaboraciones. La conferencia concluyó dejando claras tres importantes nociones respecto a la marca personal, también reflejadas en la entrevista a continuación: la necesidad de tener un espíritu crítico, trabajar la marca desde dentro, y no dejarse llevar por las tendencias o mareas que puedan ir en contra de nuestros valores.

 

 

¿Qué crees que necesita hoy en día el mundo del diseño, qué puede aportar nuestra generación?

 

Pues yo creo que originalidad, realmente. Creo que es fundamental ver cosas que no se hayan visto antes, y eso no es necesariamente que no existan del todo, porque la creatividad ya sabemos que es un poco unir las piezas de una manera diferente. Entonces yo creo que necesita originalidad, y autenticidad, en el sector de la moda y los consumidores yo creo que se buscan cosas que sean de verdad.

 

 

¿Qué consejo, para empezar, le darías a alguien interesado en ir creando su propia marca?

 

Creo que lo he comentado en la charla, pero el tema de tener tu punto de vista, y una identidad bien definida, es muy importante. A veces, yo creo que la gente necesitamos ser capaces de entender lo que se nos pone delante, escanearlo y un poco saber de qué va. Y eso requiere que esté pensado y que tenga una coherencia. Entonces yo creo que es muy importante definir nuestra identidad de qué queremos ser como marca para que la gente nos perciba como coherentes y nos pueda entender, y por tanto enamorarse de nosotros. No puedes amar lo que no conoces.

 

¿Y cómo lo reflejas de entrada en un perfil de Instagram, o en una entrevista? ¿Existe algún primer paso?

 

Sí, se llama crear una plataforma de identidad de marca en la que, pues cuando veamos la clase de márketing lo veremos, que es un poco crear tu identidad, tu propuesta de valor, tu posicionamiento, y luego a partir de ahí, pues decidir cuál es tu imagen externa, pues cuáles son tus códigos de color, tu imagen, tu tono, esta parte más superficial, y cuál es tu conversación: de qué temas quieres hablar, qué areas son las que te interesan… Entonces es definirlo en un documento interno, que tú no vas a mostrar, pero te va a dar las directrices para poder mostrarte de una manera coherente y constante.

 

 

¿Resulta más útil tener contactos, o tener estudios, a la hora de darse a conocer?

 

Las dos, las dos. Yo creo que es muy importante, ¿sabes qué es verdaderamente importante? Yo creo que hay que formarse, hay que saber, tenemos que ser conscientes de que nos vamos a pegar toda nuestra vida formándonos, yo doy clase pero empiezo un curso en marzo, osea, y luego por otro lado yo creo que es muy importante cuando hablas de lo de los contactos, pensar que cualquier persona con la que nos crucemos en nuestro camino, mañana nos puede dar una oportunidad. Entonces, todo lo hagamos hacerlo con interés, hacerlo con amor. Qué te toca ser becaria de nosequé, pues oye, pones muy bien la dirección de envío, las letras las haces bonitas, lo haces tal, porque realmente eso es cuando hablamos de contactos, que no nos parezca que los contactos hay que hacerlos en el futuro sino que la gente que nos rodea en este momento puede ser un contacto muy valioso después.

 

E imagino que ir haciéndolo todo bien, en lugar de dejarlo a medias.

 

Claro, es que es eso. Una oportunidad que te dan pues cuando eres becario en un sitio y realmente hacer tu trabajo verdaderamente bien, pues es que cuenta mucho. Tú no sabes quién va a venir a un showroom para estar a todo el mundo recibiéndole como súper majo, porque no sabes quiénes van… Si eres como yo que eres súper despistada, no sabes quién es nadie, entonces mejor ser amable con todos.

 

 

¿Qué diferencia un buen branding, una buena marca personal, de una mediocre o común?

 

Bueno, pues yo creo que ser relevante, que esto es algo también muy importante. No hemos hablado mucho de ello en la charla, pero ser relevante es como sentir qué es lo que le importa a la gente en un momento dado y dar respuesta a ello. Y cuando hablamos de las marcas, las marcas tienen  que crear valor para luego ellas ser valiosas. Y ese valor se crea como hemos dicho al principio en la mente de los demás, vale, entonces que ellos piensen, y que sea cierto, que les estamos dando un beneficio. Para eso tienes que sentir muy bien qué es lo que a esta gente le importa para poder dárselo.

 

 

¿Las celebridades podrían considerarse un ejemplo de marca personal?

 

Pues, algunas más que otras. Pues por ejemplo Ana Wintour yo creo que sí que es una marca personal, o… ¿sabes cuando eso tú lo puedes sentir? Cuando ellos dan valor, mucho mucho valor extra a un proyecto en el que participan. Osea por ejemplo Beyoncé, sí que es marca personal, porque ella se pone a hacer algo y realmente multiplica su valor, o, nos guste más o nos guste menos, Kim Kardashian es una marca personal muy potente, entonces yo creo que es eso, el valor que ellos dan solo por el hecho de ser ellos mismos.

Statu Quo. Dentro del mundo de la moda.

No sería desacertado afirmar que, hoy en día, si no lo era ya, la ropa se ha convertido en un proceso completamente industrial. Lo artesanal o ‘hecho a mano’ se considera ahora algo casi exótico, exclusivo a aquellos que puedan permitírselo o quieran seguir vinculados con ese valor tradicional del esfuerzo y dedicación manual exhaustiva cuyo acabado ofrece una particular sensación de plenitud. Esta drástica diferenciación es la que aborda la artista Gema Rupérez en su exposición interactiva Statu Quo, albergada en el IAACC Pablo Serrano y abierta al público hasta el 26 de marzo de 2023.

Se hace, en ella, uso de todo el espacio a su disposición para crear un conjunto de obras que reaccionen a la presencia del espectador, durante cuyo recorrido uno pueda sentirse identificado, expuesto o incluso directamente responsable. Tal es el caso de la primera y además impulsora de este conjunto, Bandera Blanca.

Desde fuera podemos observar una serie de máquinas de coser a los lados de un pasillo central que nos conduce hasta la gran bandera que da nombre a la instalación, pero una vez cruzamos el umbral para acercarnos a verla, comienza a sonar repentinamente una pieza musical que más adelante reconoceremos como el himno de China al tiempo que se encienden y comienzan a funcionar de manera simultánea todas las máquinas. Si seguimos avanzando tras este susto inicial, veremos que la bandera se compone de pequeñas etiquetas cosidas a mano con la inscripción ‘Made in China’, cuyo proceso de creación aparece grabado en pequeñas pantallas de vídeo a los laterales de la instalación.

Dentro del mundo de la moda, Statu Quo nos habla de la angustia que encierra la instantaneidad de producción y difusión a la que estamos acostumbrados gracias al fast fashion, una clase de moda que no sería posible fabricar en la actualidad de no ser por la explotación laboral a la que se someten sus trabajadores en favor del consumismo a bajo coste del que se benefician sus clientes. El texto de entrada que recibe además al público a la exposición expresa como la artista no solo denuncia sino que propone también un cambio a todas estas cuestiones, reflejado en esta obra con la colaboración del proyecto Hilvanando culturas para la confección de la bandera. Este es un impulsor del emprendimiento femenino que busca contribuir a la formación de las mujeres en el sector textil para ayudarlas a generar ingresos para sí mismas y sus familias, conectando además con el discurso del consumo responsable en indumentaria artesanal.

Expo-Statu-Quo

Videoinstalación de Bandera Blanca. Fuente: culturadearagon.es

 

Lo textil como medio de expresión se emplea también en la pieza White collar, blue collar, para la que se disponen doce cuellos de camisas blancas de manera circular central sobre una masa rectangular confeccionada a partir de prendas de trabajo azules, descosidas y unidas manualmente, en referencia a la bandera de la Unión Europea. Aunque esto pueda interpretarse a primera vista como el mensaje tradicional de tensión y contraste entre la clase social trabajadora (mucho más numerosa y desordenada, cuyo atuendo de trabajo requiere materiales resistentes y cómodos en colores que puedan disimular la suciedad) y la que ocupa posiciones de poder (más reducida y reglada, cuyo traje refleja el ambiente limpio y uniforme en el que se trabaja), siendo también que esta última está simbólicamente colocada por encima de la otra, podríamos atribuirle otro vínculo más. El uso de la bandera como elemento central tanto en esta como en la primera obra de la exposición sería una manera de decir que Europa tampoco se libra de la desigualdad laboral antes denunciada en relación a China, sino que comparte un mismo problema y lo refleja mediante el desarrollo artesanal del tejido.

En Statu Quo encontramos, por último, la moda dentro de un contexto político en Star, una pieza que nos habla, ofreciendo varias posibilidades de interpretación, del conflicto bélico y valor de los logros militares en el mundo actual mediante una composición que parte de tres camas elásticas. Estas han sido bordadas también manualmente por la artista con un estampado de camuflaje que de entrada no parece más que una inocente peculiaridad del diseño, pues es uno que emplea hoy en día variedad de prendas y estilos, pero una vez comienza a saltarse sobre ellas se escucha el ruidoso tintineo de insignias metálicas estrelladas que, colgando de su superficie, chocan contra el suelo bajo las camillas delatando su presencia y haciéndonos recordar el carácter militar que encarna este patrón textil. Si se junta además este estruendo con el himno chino dentro de la misma sala, se acentúa el mensaje de vanidad indumentaria y sacrificio ajeno que a menudo nos hace olvidar los orígenes tanto físicos como simbólicos de la ropa que llevamos.

Statu Quo

Obra final de la exposición, Trans. Fuente: culturadearagon.es

 

La obra final de la exposición simula un par de cortinas metálicas formadas por piezas rectangulares idénticas entre sí, y en las que, organizadas de manera ordenada en filas y columnas, puede leerse una palabra distinta según el punto de vista desde el que sean observadas. Así, mediante el ingenioso efecto que permite la impresión lenticular aplicada a una única letra, REDES puede convertirse en RESES, y CHANCE en CHANGE: advirtiéndonos, por una parte, de la similitud conceptual entre las dos primeras definiciones, y haciendo por otra una posible propuesta que nos anima a concluir este recorrido y su conjunto de obras y reflexiones con una percepción optimista, aplicando su discurso a las oportunidades que puedan ofrecerse de manera que podamos transformarlas, también, en un cambio.

Alexandra Netoiu, 1º Diseño de Moda

 

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